in fieri | numeri in preparazione
engramma 231 | gennaio/febbraio 2025 | Archaeology of Thermalism. Living and working with mineral waters
edited by di Maddalena Bassani e Jacopo Tabolli
Il numero 230/2025 de ‘La Rivista di Engramma’ accoglie studi e ricerche dedicate al termalismo naturale e al suo sfruttamento in epoca antica e post antica. Come già nel precedente numero 214/2024, le tematiche potranno spaziare su:
– indagini e scavi archeologici condotti attorno a contesti connotati dalla presenza di sorgenti minerali in Italia e nel Mediterraneo;
– risultati di ricerche sull'utilizzo dell'acqua minerale nella dimensione pubblica e privata attraverso la disamina di fonti archeologiche, storico-letterarie, epigrafiche, iconografiche, etnografiche e antropologiche;
– presentazione di progetti architettonici, mostre ed eventi per la riqualificazione e la valorizzazione di aree archeologiche, stazioni curative post-antiche e singoli reperti legati all'acqua minerale.
scadenza per invio proposte (titolo e abstract di max. 1500 caratteri) da inviare ai curatori Maddalena Bassani e Jacopo Tabolli | 6 agosto 2025
comunicazione accettazione dei contributi | 5 settembre 2025
scadenza per invio contributi | 10 ottobre 2025
procedure redazionali | norme redazionali per gli autori
The special issue of “La Rivista di Engramma” features studies and ongoing research on natural thermalism and its exploitation in ancient and post-ancient times. As in the previous issue 204/2024, topics may present:
– archaeological investigations and excavations in sites characterised by the presence of mineral springs in Italy and the Mediterranean;
– results of researches on the use of mineral water in the public and private spheres through the examination of archaeological, historical-literary, epigraphic, iconographic, ethnographic and anthropological sources;
– presentation of architectural projects, exhibitions and events for the re-use and enhancement of archaeological sites, modern healing spas, and artefatcs related to mineral water.
deadline for proposal submission (title and abstract max. 1500 characters) to be sent to Maddalena Bassani and Jacopo Tabolli | 6 August 2025
Notification of acceptance of contributions | 5 September 2025
Deadline for submission of full papers | 10 October 2025
Policy and Editorial Procedures | Editorial Guidelines for Author
engramma 232 | marzo 2026 | profanazioni / contro l’aura (titolo provvisorio)
a cura di Christian Garavello e Maurizio Guerri
Nel volume Profanazioni (2005) Giorgio Agamben definisce la profanazione come un atto di restituzione volto a rimuovere quella forma di separazione che, una volta operata sottrae al libero uso degli uomini qualcosa. Questa forma di separazione rappresenta uno dei concetti di fondo della religione e si attua mediante il sacrificio. Entra nella sfera religiosa ciò che è relegato, separato dalla vita in comune, posto in una dimensione cultuale, in possesso di un’aura, definita da Walter Benjamin come “l’apparizione unica di una lontananza, per quanto questa possa essere vicina”, e diviene inutilizzbile dalla comunità in quanto fruibile solo da sacerdoti adibiti a officiare specifici rituali.
Proseguendo attraverso il concetto benjaminiano di “capitalismo come religione” e di “spettacolo” in Debord, si comprende come il capitalismo si imponga come consumazione dello spazio e del tempo comune, fino rendere impossibile l’uso di ciò che è dato. Ponendo dunque al centro l'idea che il nucleo irraggiante del capitalismo nella sua fase di consumo e di spettacolarizzazione stia nella capacità di estendere e intensificare le forme di espropriazione di ciò che è Comune, fino a espropriare la possibilità stessa di un bene comune. In questo senso l'istituzione del Museo appare come allegoria dell'intangibile, dell'immodificabile, dell'inutilizzabile; come scriveva Benjamin a proposito delle prime Esposizioni universali, l'imperativo cui soggiaciono gli spazi dello spettacolo e del consumo è: “Guardare tutto, non toccare niente”.
Da questa prospettiva le riflessioni di Agamben, strettamente connesse a quelle di Benjamin e Debord, attorno al tema della profanazione, e dunque della perdita dell’aura, risultano centrali per artisti e teorici per articolare una riflessione mirata a un sistema che si estende a ogni aspetto della vita comune, fornendo importanti spunti per sviluppare le proprie pratiche.
Il volume di Engramma si pone dunque l’obiettivo di approfondire sul piano storico-filosofico, teoretico, artistico e letterario il concetto di Profanazione nei suoi rapporti con l’estetica e la cultura visuale invitando studiosi, artisti e ricercatori a proporre contributi relativi, ma non limitati, alle seguenti linee di ricerca:
– La genealogia della nozione di Profanazione con particolare riferimento al pensiero di Walter Benjamin e di Guy Debord;
– Il rapporto tra immagini e pratiche di rappresentazione e riappropriazione dello spazio come per esempio Forensic Architecture;
– Pratiche artistiche;
– Pratiche curatoriali di decolonizzazione museale;
– Pratiche di riappropriazione delle tecnologie – in particolare l’AI – che si sviluppano in black box inaccessibili alle comunità;
I contributi sono accettati in lingua italiana, inglese, francese, spagnolo, tedesco.
scadenza per invio proposte (titolo e abstract di max. 1500 caratteri) da inviare ai curatori Christian Garavello e Maurizio Guerri | 15 dicembre 2025
scadenza per invio contributi | 31 gennaio 2026
procedure redazionali | norme redazionali per gli autori
engramma 233 | aprile 2026 | The Political Iconology of Right-Wing Culture (provisional title)
Edited by Jacopo Galimberti, Margherita Piccichè, Ivan Pintor Iranzo and Giulia Zanon.
This issue of Engramma will explore the visual worlds of contemporary right-wing and far-right ideologies from the perspectives of political iconology and visual studies. It will investigate the broader cultural, historical and aesthetic dimensions of visuals, considering their symbolic structures, their relationships with tradition and their modes of dissemination in contemporary media landscapes.
Aby Warburg, who liked to define himself as a “psycho-historian”, developed a pioneering method to explore images as symptoms of a particular cultural climate. Since the outbreak of the First World War, Warburg saw the analysis of war imagery as an attempt to “pierce the fog of war propaganda”. He developed a theoretical interest in symbols of power, which he viewed both as repositories of the political messages charactering an era and as autonomous carriers of their own intrinsic energy. For Warburg, the study of images of political power thus involves an analysis of the processes of assimilation and incorporation of a symbol – what he defined as “metaphorical distance” – as well as the transformative power that different historical periods exert on its construction and meaning.
The imageries and imaginaries of contemporary right-wing culture, have for the most part only been examined by social scientists and political communication experts, who pay insufficient attention to visual histories. Art historian Luciano Cheles, for one, has investigated the Italian far right using art-historical methods, but much research remains to be conducted. The immense and increasing volume of still and moving images produced by far-right and right-wing parties and movements, circulated foremost on social media, necessitates not only increased scholarly attention, but also the development of novel methodologies to understand these types of visual production.
This issue aims to highlight the relevance of Warburg’s work today and the continuity of his study of images of power, emphasising the persistence of a “victor’s pathos” that extends from imperial Rome to contemporary Church and politics, as reflected in the scholarship of Martin Warnke, Horst Bredekamp, Uwe Fleckner, Reinhart Koselleck, Carlo Ginzburg and Patrick Boucheron. Furthermore, Furio Jesi’s reflections on “mythological machines” and the manipulation of cultural memory by right-wing movements also provide an apt critical framework for analysing contemporary political iconography. His insights into the sacralisation of symbols, the use of historical myths to establish ideological legitimacy, and ritualised forms of political communication offer a crucial lens for interpreting the visual strategies of right-wing culture. In response to visual phenomena associated with right-wing culture, it also becomes necessary to adopt an open iconological approach, drawing upon contributions from various fields such as social semiotics (Theo Van Leeuwen), the systematic and comparative study of visual motifs, and the analysis of contemporary popular images through repository-based formulas.
Articles in this issue may address, but are not limited to, the following questions:
• What art historical motifs are adopted or referenced by ethnonationalist parties such as the American Republican Party under Trump, Lega, Vox, Rassemblement National, Fratelli d’Italia, Alternative für Deutschland, Fidesz, and Prawo i Sprawiedliwość?
• Can any overall strategies or aesthetics be identified?
• A frequent use of “pop” or “mainstream” visual language by right-wing groups has often been observed. Do they occasionally also reference classical traditions?
• Some artists, such as the painters Ignacy Czwartos and Augusto Ferrer-Dalmau Nieto, have emerged as capable of bringing forth a cogent visual language for right-wing culture. Can other artists be identified working along these lines?
• A political continuum between neo-fascist or Nazi fringe groups and parties with millions of voters has been highlighted by political commentators. What are the visual transfers across these two political scales?
abstract submission deadline | 31 May 2025
(to be send to margheritapicciche14@gmail.com and gzanon@iuav.it)
contributions submission deadline | 1 December 2025
submissions may be in English, Italian, Spanish, German or French
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Policy and Editorial Procedures | Editorial Guidelines for Author
engramma 234 | maggio 2026 | (Dis)ordini e pratiche del visibile. Cinema indipendente italiano 1961-1976 (titolo provvisorio)
a cura di Carmelo Marabello, Cosetta Saba, Filippo Perfetti
Il (dis)ordine del visibile – come insegna Jacques Rancière – non designa una crisi, ma un principio operativo: la ridefinizione costante del campo percettivo che le immagini producono e in cui si producono.
Tra il 1961 e il 1976 il Cinema Indipendente Italiano si colloca in questo spazio di tensione, nel punto in cui le culture visive occidentali si trasformano internazionalizzandosi. Non è una storia minore quella del CII, ma la storia di una minoranza intrecciata in una rete di esperienze filmiche, artistiche, militanti che operano nel reale e trasformano la cultura visuale in campo d’azione e di conoscenza. Fare film, in quegli anni, significa intervenire nel reale: nelle forme di vita, nel quotidiano come campo operativo, nella cultura come spazio politico primario. È qui che la riflessione sull’immagine trova corpo nel filmare, che il pensiero si traduce in gesto e in forma.
Come ha scritto Adriano Aprà, le immagini del Cinema Indipendente Italiano non assomigliano a nulla e tuttavia non nascono dal nulla. Emergono da e si muovono entro una costellazione di pratiche che nel periodo contribuiscono a ridisegnare il campo del visibile. Abitano lo stesso spazio del cinema nuovo europeo e americano, ma in altro modo. È una differenza che viene dalla vita, che agisce nel mondo, che modifica le relazioni tra immagine e realtà, tra percezione e pensiero. Detto altrimenti, la trasformazione del visibile nasce dal reale – dalle forme di vita, dalle pratiche, dal quotidiano come campo operativo. La libertà del filmare e nel filmare non è autonomia estetica, ma possibilità di modificare i regimi percettivi e di rendere enunciabile ciò che non lo era. Le immagini non mostrano nuove sensibilità, le redistribuiscono, nel tentativo di attivare una capacità di sguardo, orizzontale, condivisa, situata. La visione diventa un atto di presenza. I film del CII sono portati, mostrati, fatti accadere dai filmmaker stessi, nei circoli, nei cineclub, nelle gallerie d’arte, nelle librerie, nelle case, nelle fabbriche, nelle università. In questo procedere si esprime una teoria dello sguardo che si traccia nei film e nella pratica delle proiezioni, nella portabilità, nella molteplicità dei dispositivi di visione, nelle modalità con cui i film vengono accompagnati dai filmmaker stessi negli spazi in cui vengono proiettati. In questi spazi, il vedere non è un atto passivo ma una pratica di prossimità e/o di dissenso
(Dis)ordine del visibile è questa ridefinizione costante del campo percettivo che le immagini producono. È così che le immagini agiscono. È così che il film esiste nell’atto di guardarlo.
I contributi per il numero dovrebbero orientarsi verso:
• (Dis)ordine del visibile come operatore formale. L’analisi di come l’immagine produce soglie, opacità, eccedenze, in relazione a ciò che presenta e, talvolta, rappresenta. Ovvero di dove e come il film ridisegna il campo percettivo (profondità instabile, fuoricampo strutturante, esposizioni multiple, effetti flicker, solarizzazioni, stratificazioni visivo-sonore).
• Agency dell’immagine. Sequenze in cui il visivo agisce come forza (spostamento dell’attenzione, attivazione del gesto spettatoriale). Qui l’agency va osservata nel funzionamento: scelta d’inquadratura, durata, ritmo di montaggio, collisioni A/V.
• Lo spazio tra le immagini. Stacchi, sospensioni, raccordi impossibili, split-screen e multi-schermo, dove il senso si genera tra le immagini, ma anche in ciascuna isolatamente.
• Materialità.Grana, decadimento, difetti, found footage, quando la materia del supporto è operatore semantico della figura.
• Interpellazione e spettatorialità situata. Come le immagini interpellano il soggetto e producono prossimità/dissenso nell’atto della visione.
• Comparazioni. Studi comparati tra film, brevi sequenze o immagini.
scadenza per invio proposte (titolo e abstract di max. 1500 caratteri) da inviare ai curatori Carmelo Marabello, Cosetta Saba e Filippo Perfetti | 30 gennaio 2026
comunicazione accettazione dei contributi | 10 febbraio 2026
scadenza per invio contributi | 29 marzo 2026
I contributi sono accettati in lingua italiana, inglese, francese
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engramma 235 | giugno 2026 | Mnemosyne. Atlante come oggetto e come progetto
a cura di Monica Centanni e Giulia Zanon
Engramma 232 è dedicato all’Atlante Mnemosyne di Aby Warburg come oggetto – nella stagione della sua nuova fortuna, dagli anni Novanta, nella sua stagione di nuova fortuna in varie mostre ed esposizioni. Engramma 232 è dedicato all’Atlante Mnemosyne come progetto – machine à penser, modello epistemologico e filosofico, testo metodologico di riferimento per lo studio della psicostoria della tradizione classica.
Engramma 232 ruota intorno alla presentazione di un esito significativo delle ricerche sul Bilderatlas che il Seminario Mnemosyne coltiva e che Engramma pubblica fin dai suoi primi numeri: la pubblicazione, per i tipi di Carocci nei primi mesi del 2026, della prima edizione commentata dell’Atlante Mnemosyne, a cura di Maurizio Ghelardi e di Monica Centanni, e di un Lemmario che raccoglie le voci di oltre quaranta termini chiave per la lettura di Mnemosyne.
Gli studiosi che lavorano all’analisi dell’Atlante Mnemosyne, al suo metodo e alla sua eredità viva per le discipline umanistiche, artistiche, curatoriali, sono invitati a proporre un loro contributo (ITA, ENG, DE, FR, ES)
Engramma 232 is devoted to Aby Warburg’s Mnemosyne Atlas as an object – in the season of its renewed fortune, from the 1990s onwards, in the context of various exhibitions and displays. Engramma 232 is also devoted to the Mnemosyne Atlas as a project – a machine à penser, an epistemological and philosophical model, a methodological reference text for the study of the psychohistory of the Classical tradition.
Engramma 232 centres on the presentation of a significant outcome of the research on the Bilderatlas pursued by the Seminario Mnemosyne and published in Engramma since its earliest issues: the publication, by Carocci in the early months of 2026, of the first annotated edition of the Mnemosyne Atlas, edited by Maurizio Ghelardi and Monica Centanni, together with a Lemmario collecting more than forty key entries for the reading of Mnemosyne.
Scholars working on the analysis of the Mnemosyne Atlas, on its method, and on its living legacy for the humanities, the arts, and curatorial practices are invited to submit a contribution (ITA, ENG, DE, FR, ES).
abstract submission deadline | 15 February 2026
(to be send to centanni@iuav.it and gzanon@iuav.it)
contributions submission deadline | 15 April 2026
submissions may be in English, Italian, Spanish, German or French
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Policy and Editorial Procedures | Editorial Guidelines for Author
engramma 236 | luglio 2026 | Performance (titolo provvisorio)
a cura di Piermario Vescovo et all.
call in fieri
engramma 237 | agosto 2026 | Charis. Studi di Iconografia e arte cristiana
a cura di Maria Bergamo, Marina Vicelja
Émile Mâle wrote, in his seminal studies on medieval art, that Christian art is a symbolic language whose grammar must be learned. An entire century of historical scholarship and art theory has engaged around the semiotic and grammatical value of iconography, and of sacred iconography in particular: on the one hand, the rejection of normativity in favour of pure aesthetics or the freedom of artistic creation, on the other, the dissolution of the very notion of a unified linguistic code into historical and contextual relativism. Some contemporary approaches apply to mediation. Without abandoning the idea of iconography as a regulated intelligible system, they are emphasizing its historicity, mobility, and dependence on practices of reception, thereby restoring to the sacred image a grammar that is no longer normative, but culturally negotiated. Yet, in today’s secularized and multi-religious societies, a new iconographic illiteracycan be observed. With the loss of mediation provided by the superficial shared tradition — that of Western Christianity — the knowledge and the capacity to read sacred images in their original, literal, and properly iconographic meaning have been largely eroded.
The issue will bring together experts to address and discuss these questions from new theoretical, historical, and analytical perspectives. We invite contributions that focus on, but are not limited to, the following topics:
> theory and history of sacred images;
> symbolism and metaphysics of art;
> value and function of images in Christian art;
> reflections on sacred art in the contemporary world;
> comparisons between Christian art and other religious traditions;
> iconographic case studies;
> practices and examples of contemporary Christian art
Deadline
15 February – Abstract submission (1500 chars) to mvicelja@ffri.uniri.hr e mbergamo@iuav.it
20 February – Notification of acceptance
20 April – Full paper submission (max 20.000 chars)
30 April – Editorial review and dispatch to referees
May – Peer review
June – Author revisions
July–August – Final editing and layout
Scriveva Émile Mâle, nei suoi celebri studi sull’arte medievale, che l’arte cristiana è un linguaggio simbolico di cui occorre apprendere la grammatica. Attorno al valore semiotico-grammaticale dell’iconografia — e in particolare dell’iconografia sacra — si è misurato un intero secolo di studi storici e di teoria dell’arte: se da un lato si è rifiutata la norma a favore della pura estetica o della libertà dell’atto artistico, dall’altro l’idea di un codice linguistico unificato si è dissolta nel relativismo storico e contestuale. Una parte della critica è oggi a una mediazione: senza rinunciare all’idea di un’iconografia come sistema regolato e intelligibile, ne ha rivendicato la storicità, la mobilità e la dipendenza dalle pratiche di ricezione, restituendo all’immagine sacra una grammatica non normativa, ma situata e culturalmente negoziata. Tuttavia, nell’attuale società secolarizzata e multireligiosa, si assiste a un analfabetismo iconografico di ritorno. Venuta meno la mediazione di una pur superficiale tradizione condivisa — cristiana occidentale — si è perduta la conoscenza e la capacità di leggere le immagini sacre nel loro significato primario, letterale, iconografico. Il numero invita a contributi che affrontino criticamente questi nodi, secondo prospettive teoriche, storiche e analitiche.
In particolare, si sollecitano articoli su:
>teoria e storia delle immagini sacre
> simbologia e metafisica dell’arte
> valore e funzione dell’immagine nell’arte cristiana
> riflessioni sull’arte sacra nel contemporaneo
> confronti tra arte cristiana e altre tradizioni religiose
> esempi e casi di studio iconografici
> pratiche ed esperienze di arte cristiana contemporanea.
engramma 238 | settembre 2026 | Dell’ironia in architettura
a cura di Renato Bocchi, Anna Ghiraldini, Sissi Cesira Roselli
Un prezioso saggio di Manfredo Tafuri, pubblicato nel 1989 nel catalogo della grande mostra su Giulio Romano a Mantova, al titolo Giulio Romano: linguaggio, mentalità, committenti, propone esplicitamente l’interpretazione delle molte eccezioni stilistiche introdotte da Giulio Romano nella lingua classica rinascimentale dell’architettura di Palazzo Te a Mantova come deliberate forme di ironia, collegabili anche col concetto di sprezzatura così come enunciato dal Cortegiano di Baldassarre Castiglione.
Sulla scia di questa intuizione, il numero monografico proposto – facendo tesoro dei risultati di un seminario su Architettura e Ironia tenutosi a cura di Renato Bocchi e Sissi Roselli presso il dottorato “Architettura. Teorie e progetto” della Sapienza Università di Roma nel settembre 2025 e con riferimento anche al numero monografico su Architecture and Irony, curato da Emmanuel Petit, per la rivista “AR – Architectural Research”, Lubiana, 2024 – intende indagare quanto il contributo di un approccio ironico nell’ideazione e nella progettazione possa dimostrarsi fecondo e connotante anche per le esperienze dell’architettura contemporanea; nonché quanto tale approccio ironico o satirico possa talora informare la critica dell’architettura e dell’urbanistica contemporanee. In questo senso si intende ampliare il raggio di indagine già oggetto di recente interesse riguardo alle esperienze dell’arte contemporanea (visiva, installativa, performativa) da critici quali Francesco Poli (L’ironia è una cosa seria. Strategie dell’arte d’avanguardia e contemporanea, Johan & Levi, Milano 2024) o Lorenzo Balbi e Caterina Molteni (catalogo della mostra al MAMbo, Facile ironia. L’ironia nell’arte italiana tra XX e XXI secolo, Allemandi, Torino 2025).
Il numero monografico di Engramma invita perciò studiosi, ricercatori e architetti a proporre contributi (orientativamente contenuti entro un max di 30000 caratteri e con un numero di illustrazioni calibrato sulla lunghezza del saggio) relativi alle seguenti linee di ricerca:
(1) i concetti di ironia e sprezzatura e le loro applicazioni al progetto d’architettura tra il secolo XVI e il secolo XVIII;
(2) il ruolo della componente ironica nell’architettura contemporanea, con particolare riferimento alle espressioni radical e post-modern;
(3) l’uso dell’ironia e delle sue tecniche retoriche nell’attuale progettazione architettonica quale dispositivo spiazzante e inaspettato, capace di rompere la rigidità degli schemi “canonici”.
Una speciale sezione (4) sarà dedicata a progetti di ricerca, redatti in forma di fanzine scritto-grafiche, di cui verrà fornito uno specifico template, che riflettano “ironicamente” sui temi sopraindicati.
Specificare nell’invio dell’abstract la sezione per la quale si propone il contributo.
scadenza per invio proposte (titolo e abstract di max. 1500 caratteri, ita o eng) da inviare a Anna Ghiraldini (aghiraldini@iuav.it) | 27 febbraio 2026
comunicazione accettazione dei contributi | 16 marzo 2026
scadenza per invio contributi | 2 maggio 2026
procedure redazionali | norme redazionali per gli autori
A valuable essay by Manfredo Tafuri, published in 1989 in the catalogue of the major exhibition on Giulio Romano in Mantua, entitled Giulio Romano: linguaggio, mentalità, committenti, explicitly proposes the interpretation of the many stylistic exceptions introduced by Giulio Romano into the classical Renaissance language of the architecture of Palazzo Te in Mantua as deliberate forms of irony, which can also be linked to the concept of sprezzatura as enunciated by Baldassarre Castiglione in Il Cortegiano.
In the wake of this interpretation, the proposed monographic issue – drawing on the results of a seminar on Architecture and Irony held by Renato Bocchi and Sissi Roselli at the PhD programme “Architettura. Teorie e progetto” at Sapienza University of Rome in September 2025 and with reference also to the monographic issue on Architecture and Irony, edited by Emmanuel Petit, for the journal “AR – Architectural Research”, Ljubljana, 2024 – aims to investigate the extent to which an ironic approach to design can prove fruitful and significant for contemporary architectural experiences, as well as the extent to which such an ironic or satirical approach can sometimes inform the critique of contemporary architecture and urban planning.
In this sense, we intend to broaden the scope of research that has recently been the subject of interest regarding contemporary art experiences (visual, installation, performance) by critics such as Francesco Poli (L’ironia è una cosa seria. Strategie dell’arte d’avanguardia e contemporanea, Johan & Levi, Milan 2024) or Lorenzo Balbi and Caterina Molteni (catalogue of the exhibition at MAMbo, Facile ironia. L’ironia nell’arte italiana tra XX e XXI secolo, Allemandi, Turin 2025).
The monographic issue of Engramma therefore invites scholars, researchers and architects to submit contributions (indicatively limited to a maximum of 30,000 characters and with a number of illustrations calibrated to the length of the essay) relating to the following lines of research:
(1) the concepts of irony and sprezzatura and their applications to architectural design between the 16th and 18th centuries;
(2) the role of irony in contemporary architecture, with particular reference to radical and post-modern expressions;
(3) the use of irony and its rhetorical techniques in current architectural design as a surprising and unexpected device, capable of breaking the rigidity of “canonical” patterns.
A special section (4) will be dedicated to research projects, written in the form of written-graphic fanzines, for which a specific template will be provided, which reflect ‘ironically’ on the above-mentioned themes.
Please specify in your abstract submission the section for which you are proposing your contribution.
deadline for submitting proposals (title and abstract of max. 1500 characters, in Italian or English) to Anna Ghiraldini (aghiraldini@iuav.it) | 2026 February 27
notification of acceptance of contributions | 2026 March 16
deadline for submitting contributions | 2026 May 2
Policy and Editorial Procedures | Editorial Guidelines for Author
engramma 239 | ottobre 2026 | Simultan. Ingeborg Bachmann: il centesimo anno
a cura di Matteo Iacovella, Camilla Miglio, Bernardo Prieto
Nel centenario della nascita di Ingeborg Bachmann (1926-1973), Engramma, in collaborazione con classicA-Iuav e l’Università Sapienza di Roma, dedica un numero alla sua dimensione mediatica, intesa in senso ampio e interdisciplinareA partire dal titolo del suo famoso racconto Simultan, oggetto dell’esplorazione sono la natura simultanea e relazionale dell’arte e della vita, mettendo in dialogo scrittura, lingue, traduzione, musica, arti visive e media. Invitiamo a proporre contributi sui seguenti temi:
• Lingua, lingue, traduzione, poesia
• Musica e poesia
• Poesia e arti visive
• Scrivere e abitare lo spazio
• Scritture, oralità, performance e radiofonia
• Medialità del corpo, Bachmann icona mediatica
• Materialità della scrittura, frammentarietà, refuso, lapsus, cancellatura
Gli studiosi interessati sono invitati a proporre un loro contributo nella loro lingua madre – ITA, ENG, DE, FR, ES
deadline per la presentazione delle proposte (titolo e abstract, max 1500 caratteri) a camilla.miglio@uniroma1.it | 30 marzo 2026
accettazione dei contributi | 15 aprile 2026
deadline per la consegna dei contributi | 20 giugno 2026
pubblicazione del numero | 17 ottobre 2026 (anniversario della morte di I.B.)
procedure redazionali | norme redazionali per gli autori
On the centenary of the birth of Ingeborg Bachmann (1926-1973), Engramma, in collaboration with classicA-Iuav and Sapienza University of Rome, dedicates an issue to her medial dimension, understood in a broad and interdisciplinary sense. Taking its cue from the title of her well-known short story Simultan, this issue explores the simultaneous and relational nature of art and life, bringing into dialogue writing, languages, translation, music, the visual arts, and media. We invite contributions on the following topics:
• Language, languages, translation, poetry
• Music and poetry
• Poetry and the visual arts
• Writing and inhabiting space
• Writing, orality, performance, and radio
• The mediality of the body; Bachmann as a media icon
• The materiality of writing: fragmentation, typographical error, slip, erasure
Scholars are invited to submit contributions in their mother tongue – ITA, ENG, DE, FR, ES
deadline for submitting proposals (title and abstract of max. 1500 characters, in Italian or English) to camilla.miglio@uniroma1.it | March 30th 2026
notification of acceptance of papers | April 15th 2026
deadline for submitting papers | June 20th 2026
publication date | 17 October 2026 (anniversary of I.B.'s death)
Policy and Editorial Procedures | Editorial Guidelines for Author
Nota sulle procedure di invio dei contributi e fasi redazionali
Engramma si avvale di un International Advisory Board composto da studiosi di fama internazionale di Humanity Studies: scienze dell’antichità, storia dell’arte, architettura, filosofia, antropologia, storia del teatro e del cinema. I contributi pubblicati da Engramma (edita con cadenza mensile), sono selezionati dal Comitato editoriale mediante call for papers, inviti individuali e proposte degli autori e, dopo il primo giudizio redazionale, sono sottoposti a valutazione mediante peer review a doppio cieco. Le proposte di saggi da pubblicare in Engramma vanno inviate a classica@iuav.it o all’indirizzo email dei curatori dei numeri in programma.
I saggi devono essere consegnati in un formato conforme alle Norme redazionali per gli autori. Dopo la consegna, il saggio è sottoposto alle Procedure e alle fasi di redazione. La pubblicazione avviene secondo le norme del Codice etico adottato dalla Rivista.